Monter son Home-Studio

Vous avez toujours rêvé de faire partie du club fermé des compositeurs Vocaloid ? Ne rêvez plus, sautez le pas !

Si vous êtes en train de lire ces pages, c'est que vous êtes déjà un fan de Vocaloid invétéré, qui écoute les chansons depuis un moment. Mais n'avez-vous jamais pensé à produire vos propres chansons ? Vous avez sans doute rêvassé vaguement sur l'idée tout en vous disant que vous n'aurez jamais le talent et/ou l'argent. Et si vous sautiez enfin le pas ? C'est le but de cette nouvelle catégorie Utasuki: vous donner les clés qui vous permettront de savoir où vous voulez aller en matière de production musicale.

L'objectif de ce premier article est de vous présenter de manière générale les questions à vous poser, le matériel à prendre et les connaissances à avoir avant de faire votre Home-Studio.

Un Home-Studio: Qu'est-ce que c'est ?

 Comme son nom l'indique, un "Home-Studio" fait référence à un studio musical à domicile, par opposition aux studios d'enregistrement classiques réservés aux maisons de disque et aux artistes ayant un budget grandement supérieur au nôtre. Le Home-Studio, c'est le seul moyen de créer votre chanson de A à Z en étant tout seul ! Intéressant, me direz vous, mais quel est le matériel requis pour mettre en place un studio musical chez soi ? Voici le minimum syndical requis :

- Un ordinateur. Ne riez pas, ce sera le centre névralgique de votre production musicale, alors autant prendre un ordinateur de bonne qualité. Même s'il n'y a pas de règle écrite dans le marbre, il vaudra mieux se référer aux recommandations du constructeur de votre DAW. Un quoi ? J'y viens tout de suite...

- Un DAW (Digital Audio Workstation): ce terme désigne le logiciel qui vous servira à faire le lien entre votre ordinateur et vos instruments. Il y en a de nombreux types, ayant chacun leurs caractéristiques propres, même si globalement ils ont plus ou moins les mêmes caractéristiques de base. J'expliquerai ce point plus en détail plus tard.

- Un instrument de musique: Là encore, j'enfonce une porte ouverte, mais selon le style de musique que vous souhaitez faire, il faudra vous positionner sur un type d'instrument qui vous correspond. Numérique ou acoustique ? Là, nous entrons dans les choses sérieuses, mais j'y viendrai également plus tard.

- Une voicebank Vocaloid: Je vous promets, c'est la dernière porte ouverte que j'enfonce. Vous voulez faire des chansons Vocaloid, il vous faudra par conséquent la voicebank qui sera votre diva ! Voyez le bon côté:  les Vocaloid ne sont pas capricieux et ne vous demanderont jamais de salaire. En revanche, vous devrez leur tenir la main pour les faire chanter !

- Un casque et/ou des enceintes audio: Là, tout dépendra de votre vie. Si vous êtes chez vos parents ou dans un appartement avec des voisins aux oreilles sensibles, il vaudra mieux opter pour le casque !

- Une carte son: Ici, je ne parle pas de la carte son que vous avez sans doute à l'intérieur de votre ordinateur, mais des cartes son spécialisées pour la production musicale, qui vous permettront de pallier aux problèmes de latence entre votre instrument et votre ordinateur. Je suppose que je n'ai pas à m'épancher sur les raisons pour lesquelles la latence, ce n'est vraiment pas top pour produire de la musique.

Nous allons maintenant nous intéresser en détail à chacun des éléments constitutifs de votre futur Home-Studio !

1) L'Ordinateur

Aucun Home-Studio ne peut exister sans ordinateur, mais quel type d'ordinateur choisir ? Avec quelles caractéristiques ? Tout dépendra de vos besoins.

• Dois-je utiliser une tour ou un ordinateur portable ? Les facteurs qui entreront ici en jeu seront l'utilisation de votre studio et votre mode de vie. Si vous êtes plutôt quelqu'un de nomade qui puise son inspiration en voyageant en train par exemple, et si vous comptez utiliser votre ordinateur pour faire des live pour des soirées, l'ordinateur portable est tout indiqué. L'inconvénient majeur de cette solution est le nombre de ports USB limités qui limitera le nombre de périphériques que vous pourrez brancher. Si vous ne comptez pas faire de lives et si vous ne vous déplacez pas ou peu avec vos instruments, la tour est toute indiquée. Ensuite, rien ne vous empêche de prendre les deux si vous avez le courage d'installer tous vos logiciels de production musicale sur 2 ordinateurs...

• PC, Mac ou Linux ? Chacun des systèmes d'exploitation a ses avantages, à vous de choisir en fonction de vos projets et besoin.
  
  • PC: Ils présentent la plus grande flexibilité (vous pouvez l'optimiser pour autre chose que de la production musicale dessus), et on appréciera également le grand catalogue de VST gratuits compatibles avec Windows. Si vous cherchez un bon compromis entre simplicité et prix, le PC sera votre meilleur ami. C'est personnellement la solution que j'utilise pour le moment.
    
    
  • Mac: Ils étaient historiquement les leaders sur le marché de la production musicale dans les années 90, mais la fracture n'est plus vraiment présente aujourd'hui. Toutefois, alors que la plupart des logiciels sont disponibles sur plusieurs plateformes, certains produits seront exclusifs aux Mac. C'est le cas notamment du DAW Logic Pro. On appréciera également le DAW Garageband qui est gratuit et intégré au système d'exploitation. L'inconvénient de la solution Mac sera son prix, plus onéreux que pour les PC et Linux (du simple au double).
    
    
  • Linux: L'avantage certain résidera dans les nombreuses applications musicales gratuites qui vous y seront proposées (ex: Musescore, Ardour, Muxxx...). En revanche, vous pourrez ressentir quelques restrictions au niveau de la compatibilité de certains VST (Virtual Studio Technology, qui sont des plugins d'instruments virtuels). Mais notons que la tendance est à la baisse, faisant de Linux une plateforme aussi recevable qu'un PC ou Mac pour la production musicale. Toutefois, comme vous vous en doutez, il faudra un peu plus mettre les mains dans le cambouis que pour un PC ou un Mac pour tout installer. En ce qui concerne la distribution à utiliser, il est conseillé d'utiliser Fedora Design Suite, Ubuntu Studio, KXStudio, Apodio ou io GNU.

• Quelles caractéristiques minimales pour mon ordinateur ? Même s'il n'y a pas de règle d'or, j'ai pu trouver quelques recommandations minimales pour faire tourner votre DAW correctement.
  
  
  • CPU:  Processeur 2.2 Ghz i7 quad-core minimum.
    
  • Mémoire: 16 GB de RAM minimum.
  • Stockage: 500 GB minimum (HDD ou SSD). Je vous conseillerais également d'opter pour un espace de stockage externe pour vos samples et/ou vos productions.

2) Le DAW

Vous avez votre ordinateur, et vous voulez maintenant commencer à produire vos chansons. Pour cela, il vous faudra un DAW. Mais quel DAW choisir ? Il en existe de nombreux sur le marché, et il sera difficile d'en faire une liste exhaustive ici. Cependant, j'ai quelques remarques à vous faire part sur le sujet avant de vous les présenter.

Lorsque vous achèterez votre voicebank Vocaloid, le DAW Studio One sera intégré avec votre achat avec le logiciel Piapro Studio qui lui servira à faire chanter votre Vocaloid favori. Même chose pour vos instruments: souvent, un DAW est intégré. Il peut alors s'avérer éventuellement intéressant d'avoir différents DAW pour les tester et faire son choix. Faites tout de même attention de vérifier si votre matériel est spécifiquement adapté à un seul DAW ou non. Ce fait est observable surtout pour les surfaces de contrôle (dont je parlerai dans le chapitre "instruments" !).

Voici comme promis une liste non-exhaustive des DAW les plus populaires selon le système d'exploitation utilisé:

a) DAW compatibles avec Windows, Mac et Linux:

• Reaper: Version démo gratuite (60 jours) / version payante: 56€
• Bitwig: Version lite gratuite (limitation à 8 pistes) / version payante: 378€
• LMMS: Gratuit
• Ardour: Gratuit
• Reason: Version démo gratuite (30 jours) / version payante: de 79 à 549€

b) DAW compatibles avec Windows et Mac:

• Studio One: Version gratuite (limitation de contenu) / version payante: de 98€ à 396€
• FL Studio: Version gratuite (pas de sauvegarde) / version payante: de 89€ à 827€
• Cubase: Version démo gratuite (30 jours) / version payante: de 99 à 581€
• Ableton Live: Version gratuite (30 jours) / version payante: de 79 à 599€

c) DAW exclusifs à Windows:

• Cakewalk Sonar: Gratuit
  
• Mixcraft: Version démo gratuite (14 jours) / Version payante: de 99 à 149€

d) DAW exclusifs à Mac:

• Logic Pro: Version payante à 199€

Comme vous avez pu le remarquer, de nombreux DAW possèdent une version démo qui vous permettra d'appréhender les différents logiciels et de choisir lequel vous convient le mieux. Je vous invite également à aller consulter les différents liens, où les fonctionnalités de chaque DAW sont expliquées en détail.

En ce qui me concerne, j'utilise Ableton Live. J'ai obtenu ce DAW avec l'achat de mon Launchpad MkII (une surface de contrôle). L'interface est assez intuitive et simple d'utilisation, ce qui en fait un DAW idéal pour débuter (même s'il est également adapté aux profils expérimentés). J'ai également beaucoup apprécié la documentation et les tutoriaux fournis sur leur site, qui sont très complets.

3) L'instrument de musique

Avoir des logiciels de production musicale, c'est bien, mais avoir des instruments pour produire la musique en tant que telle, c'est encore mieux !

En ce qui concerne le choix de votre instrument, le choix final dépendra majoritairement du type de musique que vous souhaitez réaliser. Néanmoins, je vais tout de même attirer votre attention sur les instruments numériques et les surfaces de contrôle, beaucoup moins connues du grand public que les instruments acoustiques.

Mais avant de m'embarquer dans une description de chacun de ces modèles, voici quelques points de questionnement à avoir lors de l'achat d'un clavier:

• Le nombre de touches: Il existe des claviers de 25, 49, 61, 79 et 88 touches. Le choix se fera en fonction de votre profil de musicien et de votre expérience sur un piano. Si vous êtes un pianiste confirmé, vous êtes habitué aux clavier à 88 touches du piano classique et vous risquez potentiellement de vous sentir limité dans votre création. Si vous avez de l'expérience en piano mais vous ne souhaitez pas particulièrement utiliser votre clavier pour faire de la musique classique, les claviers à 79 et 61 touches feront largement l'affaire. Si vous n'avez pas d'expérience en piano et ne comptez pas apprendre à en jouer, et ne comptez utiliser votre clavier que pour jouer quelques octaves, le clavier à 49 touches est tout indiqué. Le clavier à 25 touches est vraiment réservé à des utilisations limitées (par exemple pour faire une ligne de basse). Ils sont les moins chers mais risqueraient de vous frustrer fortement en devant en permanence changer d'octave... Pour résumer: le pianiste classique prendra un clavier à 88 touches, le musicien électronique avec expérience en piano un clavier entre 61 et 79 touches, le musicien électronique non-intéressé par le piano un clavier à 49 touches, et le DJ un clavier à 25 touches. En ce qui concerne les prix, on constate que les prix s'envolent au delà de 61 touches: réfléchissez donc bien si cela vaut le coup pour vous d'avoir ces touches en plus.

• Touches lestées ou non: Si vous avez déjà mis les mains sur un piano acoustique, vous devez avoir remarqué que les touches ont une certaine résistance à la pression du doigt: c'est ce que l'on appelle des touches lestées. Au niveau des instruments numériques, vous trouverez plus rarement des touches lestées au même titre qu'un piano acoustique (hormis pour les pianos numériques), mais des touches semi-lestées ou non lestées. Les touches semi-lestées vous donneront une impression semblable à un piano alors que les non lestées n'auront aucune résistance, ce qui peut être plus gênant si vous êtes habitués à jouer du piano. Bien évidemment, le lestage des touches a un prix.

• Les fonctionnalités: Boutons, potentiomètres, séquenceurs, molette de pitch et de modulation, écran LCD ... Chaque type de clavier a des fonctionnalités qui leurs sont propres. Je ne vais pas m'engager dans un pavé de 50 kilomètres pour tout expliquer, mais je vous conseille de regarder toutes les fonctionnalités du clavier de votre choix.
  

• Les logiciels inclus: Pour un prix un peu plus cher, vous aurez parfois des logiciels ou des VST en plus inclus gratuitement, ce qui est un avantage non négligeable lorsque l'on voit le prix assez exorbitant de certains VST ... (valable uniquement pour les instruments numériques)
  

• Numérique ou non: Les instruments n'étant pas numériques ne peuvent pas être reliés à un ordinateur via un câble MIDI. Par conséquent, pour enregistrer vos créations, il  vous faudra... un enregistreur, qui coûte une 100aine d'euros. Et peut être également isoler phoniquement la pièce dans lequel vous faites votre home studio, ce qui coûtera plus cher (entre 75 et 600€/m²).

Je pense qu'il est de bon ton de présenter les différents types d'instruments existants ainsi que leur principe général de fonctionnement. J'estime qu'il est important de bien connaître son instrument, particulièrement pour les instruments électroniques et numériques.

➤ Les instruments acoustiques: Ce sont les premiers instruments qui ont été créés dans l'histoire de la musique. Par définition, un instrument acoustique possède sa propre acoustique, c'est à dire un espace où le son s'amplifie naturellement. Ceux-utilisent un procédé mécanique actionné par l'homme pour produire un son et se composent en plusieurs éléments:

• Le vibreur, un élément pouvant vibrer dans des fréquences audibles pour l'Homme (Entre 20 et 20000 Hz). On parle ici d'une corde de guitare par exemple.
• Un système permettant au musicien de mettre cet élément en vibration. (ex: touche de piano, archet de violon, ...)
• Un matériau amplifiant la vibration reçue par le vibreur.
• Un résonateur où sont transmises les vibrations reçues par le vibreur par voie aérienne pour les instruments à vent, et par voie mécanique pour les autres. (ex: caisse de résonance de guitare)

Si l'on prend le cas d'un piano à queue:

• Le vibreur est la corde.
• Ce qui est utilisé par le musicien pour mettre le vibreur en vibration: la touche (qui actionnera le marteau).
• Le résonateur est la caisse de résonance du piano.

Le piano à queue, roi de la musique classique !

Les instruments acoustiques sont donc des instruments avec lesquels nous sommes très familiers. Ils sont prépondérants, en particulier dans la musique classique (piano, violon, ...) mais sont aussi présents de manière courante dans la musique moderne.

➠ Exemple d'utilisation du piano à queue dans un orchestre (Turkish March, Mozart)

➤ Les instruments électro-mécaniques: Créés aux alentours des années 1960, ces instruments sont des instruments hybrides utilisant à la fois l'électricité et l'énergie mécanique pour produire un son. Certains éléments présents dans l'instrument acoustique ont ainsi été remplacés:

• Le vibreur matériel reste inchangé. C'est un élément vibrant à une fréquence donnée.
• Les microphones électromagnétiques vont transformer les oscillations du vibreur en courant électrique.
• Le résonateur et l'amplificateur ont été remplacés par un haut parleur. Le courant entrant ; modifié et amplifié  ; viendra faire vibrer la membrane du haut parleur. Celle-ci se traduira par des vibrations d'air, qui provoqueront des différences de pression sur les tympans. Cette vibration tympanique sera ensuite traduite en signal nerveux interprétable par le cerveau.
  

Gardons l'exemple du piano à titre de comparaison, en prenant ici le piano électrique:

• Le vibreur est une barre d'aluminium.
• Les microphones électromagnétiques sont situés près des barres en aluminium. Ils transforment le son en signal électrique.
• Le résonateur est un haut parleur.

Le Fender Rhodes, le plus célèbre des pianos électro-mécaniques !

Vous l'aurez compris, même si les instruments électro-mécaniques ont le même principe de fonctionnement que les instruments acoustiques, le son final n'est plus issu d'un son amplifié par résonance, mais par un haut-parleur ayant reçu un signal électrique. Ce type d'instruments a connu son âge d'or dans les années 1970, où ils étaient particulièrement utilisés pour le jazz et le funk. Quels instruments se cachent derrière cette appellation ? Nous parlons ici non seulement des pianos et orgues électriques, mais aussi de la guitare électrique qui eut un fort succès dans les années 1970 pour le rock, le blues, le jazz et la pop.

➠ Exemple d'utilisation d'un piano électro-mécanique Fender Rhodes

➤ Les instruments électroniques:  Également populaires à partir des années 1960, les instruments de musique électronique produisent des sons en utilisant des circuits intégrés. Vous l'aurez deviné, nous parlons ici des synthétiseurs analogiques. Mais quels sont les éléments constituant le son sortant d'un synthétiseur ?

• L'oscillateur: Il donne la forme au signal électrique (sinusoïdal, carré, triangulaire ou en dents de scie), sa fréquence, son amplitude et sa longueur d'onde.
  
• Le filtre: Bloque une ou plusieurs plages de fréquences (aïgues, graves, ou les deux).
• L'amplificateur: Comme son nom l'indique, il amplifie le volume du son.
• L'enveloppe: Détermine la durée de montée en volume du son après appui sur la touche (Attack), la durée de passage à l'amplitude maximale au niveau stationnaire (Decay), l'amplitude de niveau stationnaire maintenue tant que la touche est pressée (Sustain), et la durée pendant laquelle le son continue après relâchement de la touche (Release).

Représentation graphique d'une enveloppe sonore

Tous ces composants sont présents dans un module. Bien sûr, plusieurs modules peuvent être utilisés conjointement pour donner naissance à des sons beaucoup plus complexes. (soyons honnêtes un signal sinusoïdal pur, ce ne sera pas très très joli à entendre...)

Les synthétiseurs analogiques des années 1960-1970 étaient basées sur la synthèse soustractive. Son principe met en jeu un oscillateur qui est à la source d'un son. Certaines parties en sont enlevées en modelant sa forme avec des filtres et des enveloppes.

➠ Exemple d'utilisation de la synthèse soustractive

Nous avons pu voir que l'avènement des synthétiseurs a permis de créer des sons plus complexes en partant d'un oscillateur. Ici plusieurs instruments sont émulés en manipulant les différentes caractéristiques du synthétiseur, ce qui en fait indéniablement leur force.

Les premiers synthétiseurs analogiques créés par la société Moog étaient très complets mais volumineux...

➤ Les premiers instruments numériques: Avec le temps, les synthétiseurs sont devenus de plus en plus complexes. Les premiers synthétiseurs monophoniques ont laissé place aux synthétiseurs polyphoniques. De plus,  il commençait à devenir vraiment laborieux de refaire les réglages pour chaque utilisation d'un son prédéfini. Tout fut possible avec l'instauration du standard technique MIDI (Musical Instrument Digital Interface) en 1983, impulsée par Dave Smith (président de Sequential Circuits) et Ikutaro Kakehashi (fondateur de Roland). Avant cette année, il n'y avait pas de moyen standardisé de synchroniser différents instruments d'un constructeur différent: chaque constructeur disposait de sa propre norme. Même si au départ la plupart des constructeurs concurrents étaient frileux face à ce concept, l'adhésion de grandes entreprises de production musicale à la norme MIDI fit tomber rapidement les réfractaires dans l'obsolescence. Ce nouveau standard permet de pouvoir piloter un ou plusieurs instruments à l'aide d'un ordinateur. Ainsi sont nés les premiers instruments pilotés informatiquement: les synthétiseurs digitaux et les séquenceurs (samplers). C'est aussi l'époque où les premiers DAW sont nés.

Le Yamaha DX7, créé en 1983, fut le premier synthétiseur numérique "abordable". Basé sur le principe de la synthèse FM (FM signifiant modulation de fréquence), il marqua toute une génération non seulement dans le monde de la musique mais également dans le cinéma.

L'un des éléments novateur de ce synthétiseur était qu'il fournissait 128 sons prédéfinis sur des cartridges et donnait aux musiciens la possibilité d'enregistrer leurs réglages personnalisés pour pouvoir les réutiliser ensuite, ce qui fut une véritable révolution pour l'époque. De plus, le DX7 étant aux normes MIDI, il était également possible d'enregistrer des séquences MIDI réutilisables. Il ne fait nul doute que la manière de fonctionner du DX7 changea pour toujours la manière de faire de la musique électronique.

Le Yamaha DX7, un synthétiseur digital incontournable !

➠ Exemple de chanson utilisant exclusivement le DX7.

Pourquoi parler du DX7 en particulier ? Outre le fait qu'il fut un synthétiseur incontournable et fut une inspiration pour les instruments numériques d'aujourd'hui, j'ai eu la chance d'avoir cet instrument entre les mains et j'éprouve une certaine affection pour celui-ci. De toute évidence, il n'est pas facile à maîtriser et la compréhension des différents paramètres et de leurs effets vous prendra un temps non négligeable. Mais c'est grâce au DX7 que j'ai pu me plonger en détail sur la synthèse  sonore, et plus particulièrement sur la synthèse FM. Un voyage très intéressant... Si vous voulez  apporter un peu de vintage dans vos compositions mais vous n'avez pas de DX7, Samurai Neko a tout de même pensé à vous ! Le VST Dexed émule les sons présents sur l'instrument et vous donne également la possibilité d'enregistrer vos propres sons. Le mieux dans l'histoire ? Il est gratuit, alors pourquoi se gêner ? Si vous n'avez pas encore compris ce qu'est un VST exactement, pas de panique. J'y viendrai plus en détail lors d'un article dédié au fonctionnement d'un DAW.

Dans cet article, j'ai également brièvement parlé des différents types de synthèse existants: synthèse soustractive, synthèse FM...  D'une manière générale, il existe environ une vingtaine de types de synthèse. C'est pourquoi je n'y entre pas dans le détail pour le moment. Cela sera l'objet d'un prochain article: c'est un sujet passionnant où il y a matière à dire !

➤ Les instruments numériques actuels: De nos jours, le marché des instruments numériques est divisé en 6 grandes catégories: les  claviers arrangeurs, les synthétiseurs, les claviers maîtres, les pianos numériques, les workstations et les surfaces de contrôle.

Entrons maintenant dans le vif du sujet en décrivant chacun de ces instruments.

↪ Les claviers arrangeurs: Le clavier arrangeur a été initialement pensé pour les musiciens voulant répliquer un groupe entier en jouant seul. Ils contiennent une grande quantité de sons d'instruments acoustiques aussi authentiques que possible (ex: piano, guitare, cuivres...). Contrairement aux synthétiseurs avec lesquels il est possibile de donner forme à un son, les claviers arrangerurs fournissent plus d'effets sonores et de possibilités en termes d'édition MIDI/MP3/WAW. Ils contiennent également des séquences et des arrangements préfaits. Ils sont souvent utilisés par les paroliers ou en tant que karaoke en raison de leur capacité à pouvoir enlever les paroles de chansons et de montrer les paroles. Ils sont également fortment utilisés dans le monde du cinéma. 

Les prix des claviers arrangeurs sont très disparates. Certains claviers destinés plutôt aux enfants font moins de 100€ alors que les plus professionnels vont compter dans les 5000€.

Les claviers arrangeurs possèdent une large gamme de sons préfaits

↪ Les synthétiseurs: Nous en avons déjà parlé précédemment. Comme leur nom l'indique, ils sont destinés à la synthèse sonore. Analogiques ou numériques, ils possèdent un ou plusieurs modes  de synthèse (synthèse additive, soustractive, FM, table d'ondes...). Nous avons beaucoup parlé des synthétiseurs à clavier, mais il existe également des synthétiseurs ne possédant pas de clavier intégré, plus abordables. Ils sont plus nombreux chez les synthétiseurs analogiques, qui reviennent à la mode et sont maintenant tous aux normes MIDI.

Les prix sont également variables, comptez entre 300€ et 4000€ pour un synthétiseur à clavier (comme le DX7).

 Un exemple de synthétiseur/séquenceur analogique sans clavier

 ↪ Le clavier maître: Le clavier maître est un instrument qui, en soit, ne produit aucun son. Vous me direz alors quel est diantre l'intérêt d'avoir un instrument qui ne produit pas de son ? Leur rôle est d'envoyer des informations MIDI à d'autres instruments (synthétiseur, expandeur, séquenceur...) de manière directe (par câble MIDI) ou indirecte (en passant par une carte son). En envoyant des informations MIDI à votre ordinateur, vous pouvez enregistrer des séquences MIDI pouvant être retravaillées sur votre DAW et envoyées à des instruments virtuels comme réels. L'intérêt d'un tel clavier est leur aisance à utiliser avec un DAW et leur rôle transversal  et polyvalent dans un Home-Studio. Ils contiennent également souvent de nombreux logiciels inclus. Le matériel que vous n'aurez pas en hardware, vous l'aurez en software, eh oui...

Là encore, les prix sont encore plus disparates ! Les claviers les plus bons marché ne coûtent que 30€. Mais avec 21 touches non lestées, vous en aurez pour votre prix, c'est à dire, oui, pas grand chose... Si vous voulez un "vrai" clavier maître, il faudra compter dans les 100€. D'une manière générale, les prix sont compris entre 30€ et 2000€. Si vous avez un ordinateur qui tient la route, c'est un bon rapport qualité/prix.

Personnellement, j'ai opté pour l'AKAI MPK 261. Il comporte 61 touches semi-lestées, ce qui n'est pas gênant pour quelqu'un ayant fait du piano. Nous avons entre autres 16 pads pour les percussions, 8 molettes et 8 potentiomètres assignables, une molette de pitch et de modulation, un bouton pour changer d'octave et un arpégiateur. Au niveau logiciel, de nombreux programmes fournis: Au niveau VST: des synthétiseurs, un séquenceur, un  piano à queue virtuel, etc... Au niveau logiciel, MPC Essentials qui vous permettra de créer vos propres samples, et le DAW Ableton Live.

Le MPK 261, un clavier maître de milieu de gamme , coup de cœur de Samurai Neko

↪ Le piano numérique: Votre objectif est d'apprendre à jouer au piano ou vous êtes déjà un pianiste et vous n'êtes intéressé que par le piano. Cependant, un piano acoustique est assez cher et prend beaucoup de place. Le piano numérique, comportant des touches lestées comme un piano, sera votre choix de prédilection. Vous aurez même la possibilité d'y brancher un casque pour ne pas réveiller vos voisins en cas d'inspiration nocturne !

Les prix sont globalement plus élevés que pour les autres types de clavier. Un piano numérique d'entrée de gamme coûte dans les 250€. Si votre rêve était d'avoir un piano à queue numérique dans votre salon, là, il faudra compter dans les 20000€...  En comparaison avec les instruments acoustiques, les prix sont presque 10 fois moins cher. En effet, pour un piano droit acoustique d'entrée de gamme neuf, il faut compter 3500€.

 Le piano numérique ressemble fortement au piano acoustique mais se révèle bien plus abordable...

↪ Le clavier Workstation: A l'instar du clavier arrangeur, le clavier Workstation possède une large gamme de sons et d'effets qui peuvent être modifiés. L'une de leurs caractéristiques les plus intéressantes est leur capacité à générer des sons simultanément sur différentes parties du clavier (layer). Ils possèdent un séquenceur MIDI qui permet d'enregistrer plusieurs parties du clavier simplement. Certains claviers worksatations ont également un micro permettant d'enregistrer des paroles ou un autre instrument.

Les prix sont ici également plus élevés que les autres types de claviers, avec des prix entre 600€ et 4000€.

Le clavier Workstation, à mi-chemin entre synthétiseur et clavier arrangeur

↪ Les surfaces de contrôle: Une surface de contrôle est un interface permettant au musicien de contrôler un DAW. Ils peuvent contrôler de nombreux aspects de la production musicale, incluant les instruments virtuels, les samplers, les séquenceurs... La structure de ces surfaces de contrôle varie fortement en fonction du produit. Certains ont des molettes, des potentiomètres, ... Dans le cadre de l'article, je vais vous présenter le Launchpad Mk2. Attention: souvent, les surfaces de contrôle sont optimisées pour fonctionner avec un certain type de DAW (qui heureusement est fourni avec). Cependant, si vous avez l'habitude de travailler avec un autre DAW, il est vivement conseillé de choisir votre surface de contrôle en fonction de votre DAW actuel.

Le Launchpad Mk2 est une surface de contrôle se présentant sous une forme carrée avec 64 pads et des boutons de contrôle pouvant prendre diverses couleurs et se vend avec un lot de nombreuses samples, un séquenceur et quelques instruments virtuels. Celui-ci est optimisé pour fonctionner sur Ableton Live. Je peux même me fendre de dire que c'est un "must have"' pour les utilisateurs de ce DAW. Ce qui en fait un élément incontournable dans votre Home-Studio ? La possibilité de créer de la musique très facilement, ce qui en fait également un compagnon idéal pour le musicien débutant.

Grâce aux samples intégrées au Launchpad, il vous sera facile de vous familiariser avec les différents instruments constitutifs d'une musique: grosse caisse, cymbales... En quelques clics, vous intégrez les samples au menu d'Ableton, qui communiquera avec le Launchpad. Libre ensuite à vous d'utiliser telle ou telle sample en même temps, puis d'enregistrer sur Ableton. Par expérience, j'ai pu faire des samples plutôt concluantes en une grosse heure. Très rapide ! Mais où est la créativité me direz-vous ? Rien ne vous empêche de créer vos propres samples au clavier pour ensuite les jouer au Launchpad. En résumé : un sacré potentiel au bout de vos doigts accessible aux musiciens débutants.

Vous n'êtes pas convaincu ? Alors venez écouter l'un de mes premiers jets réalisés exclusivement au Launchpad !

Le Launchpad Mk2 vous facilitera la vie pour créer vos morceaux !

 ↪ Les autres instruments MIDI: Dans la catégorie des instruments MIDI, nous avons vu les claviers maîtres et les surfaces de contrôle. Dans cet article, j'ai beaucoup centré mon discours sur les claviers et les comparaisons avec les pianos classiques. Mais sachez que le monde des instruments MIDI ne se limite plus qu'aux claviers ! Les guitares, les instruments à vent et les percussions sont désormais disponibles, super non ? Vous n'aurez plus d'excuse pour ne pas basculer dans le monde du numérique !

Exemple d'un instrument à vent MIDI, l'EWI 5000 !

4) Une voicebank Vocaloid

Voici ce qui devait être le cœur de vos préoccupations: vous voulez faire une chanson Vocaloid, vous avez vos instruments en place, il ne vous manque plus que... votre Vocaloid pardi ! Si vous n'êtes pas encore tout à fait familier avec le monde des Vocaloid, cet article vous expliquera ce que vous avez à savoir sur le sujet.

Pour maintenant entrer dans le vif du sujet, vous trouverez toutes les informations sur le site officiel Vocaloid. S'il était autrefois plutôt aisé de trouver une boîte Vocaloid sur Amazon à prix raisonnable, c'est désormais chose difficile. J'avais acheté Miku V3 en 2014 pour 110€ environ, la boîte est désormais à 250€ en moyenne sur Amazon: c'est donc un très mauvais plan de se tourner vers ce site pour l'achat d'une voicebank. Ces voicebanks sont devenues vintage désormais, il semblerait.

Pourquoi un tel revirement ? Tout peut s'expliquer avec la sortie de l'éditeur Vocaloid 5 et par le changement de stratégie commerciale de Crypton. Si je prends l'exemple d'Hatsune Miku, il y a eu plusieurs innovations réalisées au cours du temps. La version V2 était assez robotique et saccadée, la V3 était beaucoup plus "humaine" et a vu l'apparition d'une Voicebank en anglais. La V4 était encore un peu plus "humaine", avec l'apparition d'une Voicebank en chinois. Néanmoins, alors qu'il s'est écoulé 6 ans entre la V2 et la V3, à peine 3 ans ont séparé la V3 de la V4. Cela s'est traduit par une légère grogne de la part des clients, qui n'ont pas vu de modification substantielle à la voix de Miku, et par un gros flop commercial. En conséquence, Crypton a décidé d'arrêter de toucher à la voix de Miku, et à bon nombre d'autres Vocaloids. Alors que tous les éditeurs Vocaloid se sont accompagnés de nombreux nouveaux Vocaloids et d'améliorations d'anciens Vocaloid, la génération Vocaloid 5 ne s'est accompagnée que de... 7 nouveaux Vocaloid... ! (qui n'auront accessoirement pas marqué l'Histoire pour l'instant). A titre de comparaison, il y avait 44 Vocaloids pour la V4, 22 pour la V3 et 18 pour la V2.

La force de l'éditeur Vocaloid 5 réside dans son éditeur, qui je dois l'avouer, est beaucoup plus agréable à utiliser que les anciens et que Piapro Studio !! En ce qui concerne les voicebanks, vous pourrez sans problème utiliser celles que vous utilisiez auparavant. Si vous n'en avez pas, il faudra alors vous tourner vers le site officiel en japonais pour les acheter au format dématérialisé. Et là, je vous vois froncer les sourcils: pourquoi aller sur la version japonaise alors qu'ils proposent une version anglaise, plus facile à comprendre pour moi, jeune débutant en japonais qui vient de commencer à suivre les cours de Samurai Neko ? Eh bien, je vous conseille de vous asseoir: sur la version anglaise, il manque des voicebanks, et pas des moindres: Hatsune Miku, véritable égérie de Crypton, brillera par son absence !

Vous trouverez donc la liste des Voicebanks ici. J'attire désormais votre attention pour que vous fassiez attention à ce que vous achetez. Nous allons prendre l'exemple d'Hatsune Miku V4. En tapant 初音ミク dans la barre de recherche, vous trouverez plusieurs produits (cf.image):

• 初音ミク V4 ENGLISH: La voicebank anglaise de Miku. - 129€
• 初音ミク V4 バンドル: Le Bundle Miku (voicebank japonaise + anglaise) - 184€
  
• 初音ミク V4: La voicebank japonaise de Miku - 146€
  

 Le petit triangle noir en haut à gauche indique que vous êtes en présence d'un bundle !

Dans la boîte japonaise, vous aurez:

• 5 Voicebanks (Original, Soft, Solid, Dark, Sweet)
• L'éditeur Piapro Studio
• Le DAW Presonus

Ce que vous n'aurez pas: L'éditeur Vocaloid 5, vendu séparément pour la modique somme de 369€...

Pour 146€ vous aurez donc une solution clé en main pour débuter votre production musicale. Et vous aurez économisé presque 100€ sur le prix Amazon.

Pour procéder au paiement en revanche , je vous conseille fortement de tout faire sur la version anglaise du site qui détectera automatiquement la langue de votre ordinateur. Sur la version japonaise, on vous demandera votre nom en Kanji et dans quelle préfecture du Japon vous habitez... 

D'un point de vue purement musical maintenant,  vous verrez que chaque voicebank contient sa propre gamme et tempo préférentiel. Par exemple, pour Yuzuki Yukari Jun, on peut lire une gamme entre D2 et F4. Si vous n'êtes pas familier avec la notation musicale internationale, laissez-moi vous éclairer:

A = La

B = Si

C = Do

D = Ré

E = Mi

F = Fa

G = Sol

Lorsqu'on a D2, cela signifie "le 2e Do en partant de la gauche sur le piano".

Pour F4, cela signifie "le 4e Fa en partant de la gauche sur le piano".

Le tempo fera lui référence à la vitesse de pulsation (pensez au métronome).

J'ai conscience que cette étape n'est pas des plus aisées. Si vous rencontrez des problèmes ou si vous avez des questionnements, n'hésitez pas à me conctacter en commentaire.

5) Le casque et les enceintes audio

Peu importe le type d'instrument ou le style de musique que vous utiliserez, vous aurez besoin d'un casque et/ou d'enceintes audio adaptés à la production musicale.

➤ Les casques: Dans le monde de la production musicale, il existe 2 grandes familles de casques: les casques ouverts, fermés et semi-ouverts.

Les casques fermés sont totalement isolés. Cela signifie que la musique aura peut être l'air moins naturelle qu'avec un casque ouvert, mais que vous n'aurez aucun problème avec les bruits parasites venant de l'environnement extérieur. Contrairement aux casques ouverts, vos oreilles risques de chauffer un peu si vous le portez pendant une durée prolongée. Ils sont donc adaptés aux environnements plus bruyants (avion, train, lieu public...) et à l'enregistrement de pistes.

Exemple de casque fermé, le Sennheiser HD280 Pro

Les casques ouverts laissent passer l'air dans les écouteurs. Cela signifie que la pression ne pourra pas affecter votre son, et qu'il n'y aura pas d'écho. Ceux-ci sont souvent les plus chers des casques car leur son est plus naturel et plus clair. Ils seront adaptés à une écoute précise (mixage en live). Cependant, cela n'est valable que lorsqu'il n'y a pas de bruit environnant. En effet, ce type de casque ne peut pas bloquer les sons externes. Les gens à côté entendront également ce que vous êtes en train d'écouter. Il est donc conseillé de les utiliser lorsque vous êtes seul, dans un environnement calme.

Le Beyerdynamic DT990 Pro, une référence parmi les casques ouverts

Les casques semi-ouverts ont leurs écouteurs qui laissent passer un peu d'air, et donc n'isolent pas complètement le casque. Ils ont à la fois les avantages des casques ouverts mais aussi tous leurs inconvénients. Ils ne sont pas adaptés à des écoutes de précision et aux environnements bruyants.

L'AKG K240, un bon casque pour débuter à prix raisonnable

 ➤ Les enceintes audio: Vous débutez votre home-studio et ne voulez pas dépenser une fortune dans des enceintes audio ? On peut voir chez bon nombre de musiciens ces fameuses enceintes jaunes qui nous tapent à l’œil. Et ce n'est pas pour rien: elles sont primées pour être les meilleures enceintes pour un débutant en termes de qualité sonore et de prix... même si vous en aurez tout de même pour 500€ ...  Il sera peut être plus judicieux d'acheter un casque pour commencer.

Le KRK Rokit 5 G3, une référence dans les home studio...

6) La carte son

Bien qu'il existe des cartes son pouvant être intégrées à votre ordinateur, si votre ordinateur n'a pas été de base pensé pour la musique ou si vous comptez utiliser plusieurs instruments, il est de bon ton d'opter pour une carte son portative. Pour les débutants, deux grands modèles sortent du lot:

• Presonus AudioBox USB 96
• Focusrite Scarlett

Les deux appareils ont des caractéristiques plus ou moins similaires. La grande différence résidera au niveau des ports. Dans les deux cas, vous trouverez 2 micros pour la guitare, une prise jack pour votre casque nouvellement acheté et... diantre ! Qu'est-ce donc que cette prise ? Permettez moi de revenir un peu sur la norme MIDI dont nous avons parlé plus haut.

Comme je l'ai expliqué tout à l'heure, la norme MIDI apparue en 1983 a permis aux différents instruments de se connecter ensemble et à un ordinateur. Vous aurez peut-être remarqué au dos de votre clavier ces différentes fiches du nom obscur de: "MIDI IN", "MIDI OUT" et "MIDI THRU". Obscur vous dites ? Il n'y a pourtant rien d'obscur à cela. Vous aurez besoin de deux câbles MIDI: un qui reliera la fiche MIDI IN de votre clavier à la fiche MIDI OUT de votre carte son. Cela permettra à votre ordinateur de faire passer des informations MIDI (fichier MIDI) à votre clavier à travers votre carte son. La fiche MIDI OUT de votre clavier sera elle reliée à la fiche MIDI IN de votre carte son. Cela permettra de transférer les informations MIDI de votre clavier (les touches sur lesquelles vous appuyez) à votre ordinateur à travers votre carte son.

Et la fiche MIDI THRU, est-elle pour les chiens ? En fait, le MIDI THRU envoie une copie des données qui sont entrées dans un appareil pour qu'ils puissent être routées à d'autres appareils. Cela permet 2 bénéfices:

• La possibilité de combiner des sons. Avoir un effet "layer" (couche) permettant de créer des combinaisons sonores impossibles avec seulement un instrument.
• La possibilité de contrôler un instrument avec un autre instrument pour jouer un son qui n'est présent que sur un des instruments.

Pour vous donner un exemple, si vous avez un clavier maître et un DX7, vous brancherez le MIDI THRU du clavier maître vers le MIDI IN du DX7. Le MIDI IN et le MIDI OUT du clavier maître seront respectivement branchés sur les fiches MIDI OUT et MIDI IN de la carte son. Vous pourrez donc jouer vos sons vintage du DX7 sur votre clavier maître.

Les 3 fiches MIDI

Mais revenons à nos cartes son. J'ai dit tout à l'heure qu'il y avait une différence majeure entre les deux cartes. Vous trouverez sur le modèle Presonus des ports MIDI IN/OUT comme sur l'image. En revanche, sur le modèle Focusrite, il n'y aura qu'un port USB. En effet, si les ports MIDI classiques étaient la norme dans les années 80, elles peuvent désormais être transmises par un câble USB, tout simplement. Vous n'aurez donc aucun problème à brancher des instruments modernes (clavier maître, launchpad...) sur votre Focusrite, mais vous pourrez toujours essayer de chercher un port USB sur un ancien synthétiseur, vous n'en trouverez pas... Tout simplement car la norme USB a été créée en 1996.

En cas de doute, le modèle Presonus sera votre choix de prédilection, étant donné qu'il est à la fois compatible avec les anciens et les nouveaux instruments.

Conclusion: Combien ça coûte ?

En conclusion de cette partie orientée "matériel", je vais vous faire un petit récapitulatif du prix moyen que vous aurez à payer pour avoir un Home-Studio correct pour débutant. Ceci est totalement indicatif et destiné à vous donner un ordre d'idée. Tout le monde ne sera pas satisfait de cette configuration.

NB: Le prix de l'ordinateur n'est pas compris dans la configuration. Il est considéré que vous utiliserez votre ordinateur actuel.

• Launchpad MK2 avec ses samples ainsi que le DAW Ableton Live compris - 120€
• Voicebank Miku V4 japonaise avec Piapro Studio et le DAW Presonus compris - 146€
• Casque semi-ouvert AKG K240 - 56€
• Presonus Audiobox USB 96 - 89€

TOTAL: 411€

Et voilà, un Home-Studio pour moins de 500€ ! Bien sûr, le coût total variera en fonction de l'instrument que vous choisirez. Mais si vous jouez déjà d'un instrument, cela vous fera une dépense en moins pour compléter votre Home-Studio.

Où aller ensuite ?

Vous avez cassé votre tirelire pour créer votre Home-Studio, bravo ! Mais vous êtes novice et ne savez pas vraiment par où commencer. Même si vous savez jouer d'un instrument (ce qui vous fera gagner déjà un temps infini dans votre apprentissage), cela ne veut pas forcément dire que vous êtes à l'aise avec la création musicale ou avec l'utilisation d'un DAW, et encore moins celle de Piapro Studio. Ces points seront les sujets de mes prochains articles de la catégorie Utasuki, où nous aborderons de nombreux concepts de théorie de la musique qui vous seront précieux pour libérer votre créativité à plein potentiel !

J'espère que cet article vous aura plu et vous aura ouvert les yeux sur ce qu'est un Home-Studio, sur les différents types d'instruments existants et qu'il vous aura donné envie de, vous aussi, vous lancer dans cette aventure formidable qu'est la production musicale. Et pas n'importe quelle production musicale, la production vocaloidienne. Peut être que dans 10 ans on parlera de vous comme on parle de Wowaka, de Deco 27 ou de Hachi, qui sait. En tout cas, comme d'habitude, n'hésitez pas à me poser des questions en commentaire si certains points sont pour vous obscurs. Si vous êtes déjà producteur, je serais ravi d'écouter vos créations !

En attendant les prochains articles, passez du bon temps sur Samurai Neko no Nihongo !

またね

侍猫